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Sonos è un’azienda americana leader nel settore delle tecnologie audio, nota soprattutto per i suoi sistemi audio wireless multi-stanza all’avanguardia, che consentono agli utenti di riprodurre contenuti musicali e di altro tipo in tutta la casa e con la massima facilità. L’azienda crea costantemente prodotti innovativi, tra cui speaker wireless, sistemi home theater, cuffie, componenti acustici e soluzioni audio per la casa integrate che rivoluzionano il modo in cui le persone fruiscono dell’esperienza audio.

Nonostante il suono sia parte integrante della filosofia Sonos, non abbiamo mai associato un suono in particolare al nostro brand. Fino a oggi. In concomitanza con il lancio di Sonos Radio, abbiamo il piacere di presentare il nostro nuovo brand sonoro. Sintonizzandosi su Sonos Radio, gli ascoltatori sentiranno la composizione originale di Philip Glass, iconico maestro della musica classica contemporanea. Ecco i retroscena di questo suono.

, Dmitri Siegel, vicepresidente Global Brand Sonos, ha notato l’assenza di una parte importante dell’esperienza d’ascolto. “Ci siamo accorti che il brand Sonos non aveva un’identità sonora”, ha affermato Siegel. “Siamo ossessionati dal suono, non facciamo altro che pensarci tutto il giorno, eppure non avevamo un suono che rappresentasse Sonos. Abbiamo ipotizzato un elenco dei migliori compositori che avrebbero potuto creare quel suono, e Philip Glass era sempre in cima alla lista.”

Vista la decennale esplorazione della ripetizione e della modularità che lo contraddistingue, è stato più che naturale scegliere Glass per sviluppare un concetto che attingesse al nome e all’identità visiva di Sonos, entrambi fondati sulla simmetria e sulla semplicità. Sapevamo che, per fortuna, aveva un dispositivo Sonos a casa e che 

Brian Beck, Global Head of Music di Sonos

. “Philip Glass è la scelta ideale per Sonos, vista la combinazione di struttura formale ed esuberanza, umanità e rigore tecnico della sua musica”, ha aggiunto Siegel.

Una volta che Glass ha accettato di unirsi al progetto, le indicazioni di Siegel sono state semplici:

Sonos è una parola inventata che significa suono.

Ora ci serve un suono che significhi Sonos.

E Glass, uno dei compositori americani più influenti del secolo, ci ha aiutati. Descrivendo il risultato, ha spiegato: “La composizione riflette le due estremità opposte di uno spettro: quella organica e quella elettronica. La parte organica, rappresentata dagli strumenti acustici, guarda all’ascolto come a un atto condiviso e personale allo stesso tempo. La parte elettronica, che può essere percepita negli elementi sintetizzati, è un omaggio ai prodotti Sonos in quanto tecnologia rivoluzionaria, sia nella riproduzione del suono che nella connettività”.

Per imparare a conoscere il profilo sonoro degli speaker Sonos, Glass ha collaborato con Giles Martin, premiato compositore, produttore e Sound Experience Leader di Sonos. “Volevamo essere certi che il tono e la gamma della composizione dimostrassero le potenzialità degli speaker e che la composizione richiamasse i momenti dell’esperienza dell’utente in cui il suono è usato in maniera esplicita”, ha affermato Martin.

Per dare vita alla composizione, abbiamo scelto di registrarla con 21 musicisti del DiMenna Center for Classical Music di New York. La registrazione include una sezione di archi con 17 elementi, flauto, tromba, corno, pianoforte e sintetizzatore elettronico.

Terminata la registrazione, Martin ha mixato e masterizzato il brand sonoro in collaborazione con Sam Okell, tecnico del suono vincitore di Grammy ed Emmy. Siegel ha così ottenuto il suono che significa Sonos.

Durante questo processo, Glass ha creato una serie completa di elementi del brand, di varia portata e finalità, che fungeranno da “kit sonoro” per l’esperienza audio di Sonos. D’ora in poi, Martin e il team Sound Experience attingeranno a questo kit di strumenti ogni volta che dovranno tracciare e definire l’identità sonora del brand.

Siamo ora orgogliosi di condividere il prodotto finale, a cui abbiamo dato vita nell’animazione sottostante. Per ascoltarlo al meglio ti consigliamo di usare il tuo Sonos System perché, come sottolineato da Glass, è stato composto “utilizzando tutto lo spettro di frequenze per dimostrare la portata e la profondità degli speaker Sonos”.

, dove potrai ascoltare il nuovo brand sonoro con un suono brillante, oltre a stazioni radio curate e suddivise per genere musicale, la nostra programmazione originale e migliaia di stazioni radio di tutto il mondo.

Qual è il suono che significa “Sonos”? Philip Glass ha la risposta.

Global Head of Editorial

Nella veste di Global Head of Music, Brian Beck sceglie con estrema attenzione le canzoni e gli artisti ideali per le campagne pubblicitarie, gli eventi e le playlist curate da Sonos. Vogliamo svelarti i segreti di Brian per essere sempre aggiornato sulle ultime novità musicali e quali sono i suoi tre consigli per la creazione di playlist fantastiche.

Per chi è cresciuto a Fairbanks, in Alaska, nei primi anni ’80, scoprire le novità musicali non era per niente semplice, e ancor meno lo era consegnare i giornali con temperature polari alle cinque del mattino. Tutta questa fatica è servita a Brian Beck per prepararsi a una carriera nel mondo della musica, dove ha lavorato in programmi radio, nel campo dello streaming, nelle etichette discografiche e come manager di artisti, per poi approdare a Sonos come Global Head of Music.

È proprio in quelle mattine buie e gelide che è nata la grande passione di Brian per la musica. “Mia madre mi accompagnava a consegnare i giornali perché era buio pesto e c’erano 4 gradi sotto zero, quindi faceva davvero troppo freddo per andare in giro in bici”, racconta Brian. “In auto ascoltavamo le cassette dei Beatles, dei Led Zeppelin e delle band Motown. Era la nostra tradizione della domenica mattina”. A parte queste cassette, l’unica musica che Brian aveva a disposizione era quella trasmessa dalla radio pop locale e quella che riusciva a trovare da Music Land, il negozio di dischi del centro commerciale.

Questo fino all’agosto del 1981. “Con l’arrivo di MTV, le cose hanno iniziato a cambiare” spiega Brian. “Per chi vive in Alaska, la TV ha un ruolo fondamentale nella vita di tutti i giorni. E io sono praticamente cresciuto con MTV.” Alla fine sarebbe andato a lavorare proprio a MTV, ma solo dopo essersi fatto strada in radio.

I primi passi all’insegna dell’idealismo (o come racimolare CD gratis)

“Sono finito a lavorare nel mondo della musica quasi per caso”, rivela Brian. Quando frequentava le superiori a Seattle, doveva scegliere un lavoro per il career day. “Ho suonato con la mia band a uno spettacolo per artisti emergenti organizzato quell’anno in città e una radio che aveva fatto da sponsor ci ha regalato tantissimi CD. Così, per il career day ho deciso di fare il DJ, perché speravo di ricevere altri CD gratis”. Dopo una giornata nella stazione radio di Seattle KNDD 107.7 The End gli è stato offerto uno stage e poi un lavoro a tempo pieno come programmatore musicale e speaker. “Quindi… sì, tutto è iniziato perché durante il career day volevo un po’ di CD gratis”.

Una volta approdato a MTV, Brian ha iniziato a occuparsi della creazione di playlist con brani di vari generi musicali per la prima incursione del canale nel mondo dello streaming musicale. “In quel periodo ho capito quanto fosse importante dedicare tutto il tempo necessario alla creazione delle playlist”, afferma. Brian non si limitava a raggruppare le canzoni in base a un tema più o meno ricorrente, ma creava playlist ottimizzate per l’ascolto in streaming con lo stesso impegno di quando lavorava come programmatore musicale in radio.

La contrapposizione tra arte e profitto pervade il settore della musica. Grazie all’esperienza come manager di artisti, Brian ha scoperto come trovare un equilibrio tra queste due componenti, rimanendo però sempre fedele allo stile unico dell’artista. Lavorando con i team di My Morning Jacket, The Head and the Heart e Preservation Hall Jazz Band (tra gli altri), Brian ha gestito direttamente il marketing, le strategie online, il merchandising e molti altri aspetti. Senza saperlo, stava accumulando l’esperienza che gli sarebbe tornata più utile per il suo ruolo in Sonos.

Per tutta la carriera, Brian ha occupato un posto in prima fila come osservatore dell’evoluzione del consumo musicale, dalle cassette ai CD, dagli mp3 allo streaming. Assistendo a questo progresso, ha visto l’ago della bilancia spostarsi dalla qualità alla praticità. “Per me la qualità audio è sempre stata importante, ma mancava la praticità”, spiega. Dopo aver acquistato il primo speaker Sonos, un Play:5 di prima generazione, Brian ha finalmente trovato una solazione pratica per godersi un suono brillante. “Ho pensato: ‘wow, ma è semplicissimo!’”, ricorda. Con un rinnovato apprezzamento per il suono brillante e una vasta esperienza nel settore musicale, alla fine del 2015 Brian ha iniziato a lavorare in Sonos come Head of Artist Relations per gli Stati Uniti.

Occhi (e orecchie) aperti in cerca di artisti innovativi

Oggi Brian si occupa di trovare e aggiudicarsi l’artista o la canzone giusti per tutto ciò che riguarda la musica in Sonos. Per questo dedica grande cura ai rapporti con i team di artisti che condividono i valori e l’estetica di Sonos, come Solange, Beastie Boys, Frank Ocean e Karen O, per nominarne alcuni. “Mi occupo di presentare Sonos ai grandi artisti, nella speranza che la loro esperienza con il prodotto sia significativa”, afferma Brian. “In questo modo, quando è il momento di scegliere la musica giusta per raccontare una storia, il confronto con il team è facilitato dal fatto che l’artista usa già Sonos e lo apprezza”.

Negli ultimi quattro anni, questi rapporti hanno continuato a consolidarsi e hanno dato vita alla colonna sonora per il lancio di prodotti di alto profilo, le brand activation, i prodotti in collaborazione e gli eventi. Anche se, fin qui, può sembrare che i suoi risultati siano frutto del lavoro di un singolo, secondo Brian l’elemento fondamentale è la collaborazione con un team straordinario. “Questo team è il migliore con cui abbia mai lavorato, per questo in Sonos ho trovato il lavoro dei miei sogni”, continua. “Tutti provengono da ambiti diversi e offrono punti di vista unici e preziosi, il che è fondamentale per offrire sempre il meglio”.

Per scegliere con quali artisti collaborare, Brian deve avere una conoscenza approfondita del panorama musicale attuale, e i metodi che utilizza oggi sono piuttosto diversi rispetto ai tempi in cui rovistava tra gli scaffali di Music Land in Alaska. “Ormai mi dedico completamente allo streaming”, spiega. “Seguo all’incirca 50-70 playlist di novità su tutti i servizi di streaming musicale”. Ma è qui che inizia il bello: “Ogni settimana aggiungo i brani che mi sembrano interessanti o che compaiono in più playlist alla playlist dei ‘forse’”. Poi completa la playlist con l’aiuto dei social media, seguendo vari artisti ed etichette su Instagram o facendo qualche visita ai negozi di dischi. Dopo averla snellita varie volte, crea la versione finale, quella che consulta quando gli viene chiesto di scegliere la musica per una nuova iniziativa di Sonos.

Quando non è impegnato a districarsi tra le complessità del mondo della musica, a volte gli viene chiesto di usare la propria esperienza per creare le playlist Sonos ufficiali. Brian usa un sistema molto dettagliato, ma anche gratificante, per creare queste playlist (troverai alcune delle nostre preferite qui sotto). Ecco i suoi tre consigli principali per creare una playlist personalizzata:

“Anche se pensi di essere ferrato su un determinato genere, stile o categoria musicale, è utile approfondire le conoscenze su Internet. Leggi i forum, dove ci sono tantissimi nerd musicali incalliti che hanno sempre qualcosa da insegnarti con i loro post. Scopri altre playlist: se vuoi creare una playlist jazz è probabile che il New Yorker abbia una playlist con i brani più famosi del genere, a cui puoi fare riferimento. Infine, dai un’occhiata alle playlist degli artisti sui servizi di streaming: sanno che gli altri artisti e i veri appassionati di musica le consultano e le valutano, quindi potresti trovare canzoni meno ovvie e conosciute. Considera tutte queste ricerche un’opportunità per ampliare le tue conoscenze musicali”.

“L’andamento è l’aspetto più importante. Il primo brano dà il la al resto della playlist. Quindi, se è molto veloce, forse è il caso di mantenere alto il livello di energia in tutta la playlist. Ma se vuoi che dia l’idea di un percorso o della scaletta di un DJ, puoi procedere per gradi. Poi puoi creare un ritmo alternato, con parti veloci e lente, note familiari e sorprendenti. Quando aggiungi le canzoni, inoltre, valuta gli abbinamenti. Se una canzone termina in modo molto potente e la successiva inizia con un tono molto sommesso, inverti l’ordine.

“Una volta creata la playlist, ascoltala tante volte, dall’inizio alla fine. Poi, non ascoltarla per un po’ di tempo. Lascia passare più o meno una settimana e riascoltala per vedere se è ancora efficace. A ogni ascolto, scegli cosa aggiungere o togliere. Alcune canzoni non sono adatte alle playlist. Forse sono pensate per essere un tutt’uno con la canzone successiva. Magari contengono un interludio, quindi sarebbe come ascoltare solo una parte del messaggio della segreteria telefonica. Queste canzoni semplicemente non sono adatte alle playlist. Un altro aspetto da considerare è il volume, che in alcune canzoni è davvero basso. Per esempio, in una playlist destinata a una festa, se da una canzone con volume molto alto si passa a una con volume molto basso, l’andamento ne risentirà. È meglio anticipare quest’ultima o toglierla del tutto. Lo scopo delle playlist è creare una determinata atmosfera, perciò quando inserisci le canzoni pensa sempre all’obiettivo finale.

Ti senti ispirato? Condividi le tue playlist sui social media e tagga Sonos. Siamo curiosi di scoprire che cosa hai creato.

La colonna sonora di Sonos

Photography by: Danny Clinch

Philip Glass opens his own door. He ushers me into the front room of his East Village brownstone — busy, unkempt and fully lived-in — to drop my coat off and wait a minute. I am, it seems, early, and Glass is still busy with his previous task. As I peel layers that protected me from a frosty New York afternoon, Glass shuffles into the next room over — the music room, it turns out — and gets back to quietly, intently banging out single notes on a piano. Let me tell you, there is no feeling like the feeling you get when you realize that you have accidentally interrupted Philip Glass — among the most influential American composers of the last century, one of the masters of contemporary classical music “with repetitive structures” (he shies away from the term “minimalist”), recipient of countless arts awards and lifetime-achievement medals — from working on music.

Philip Glass' shelf of sheet music and a Play:3.

Glass has lived in this house since 1984, and that crowded room — grand piano, synthesizer, floor-to-ceiling bookshelves filling up much of its capacity, sheet music, art and Eastern artifacts on every surface — is where he does his composing. It is, in fact, the room where he wrote most of Symphony No. 11, which premiered at Carnegie Hall on January 31st, which also happened to be Glass’s 80th birthday, the overlapping hallmarks far from a coincidence.

“The whole thing was a set-up,” Glass says through a smirk that rarely disappears during our conversation, a couple of weeks after the event. “The people who work for me commissioned it to be done on my birthday which was going to take place at Carnegie Hall.” (He assumes a voice of faux-incredulity: “No pressure. ’Oh, I see, this is my party and I have to do the work?’”) Glass says he temporarily fretted the stressful circumstances — rewriting the symphony’s last 11 pages after the first rehearsal because “I realized that the ending was not definitive enough” — but estimates that the debut, performed by the Bruckner Orchestra Linz, under the direction of its chief conductor (and longtime Glass collaborator), Dennis Russell Davies, went over pretty well. “The reception seemed fairly authentic. People really did like it. They weren’t just applauding because I was 80, like you might see with [older] people out running in the park, and people go ‘Yay’ only because they can still do it.”

“My days of listening were connected to my father’s record store, where I began working when I was 12. My first job in the music world was advising people what records they should buy, so I had to know all the records in the store.”

A moment later, referencing his own feelings in the symphony’s aftermath, Glass casually declares that “Writing it and hearing it is not exactly the same.” In a nutshell, this dichotomy is at the center of our discussion: how, for a composer, especially one as long-established as Glass, the acts of conceiving and listening are both intertwined and separate, and how such actions relate to one another when writing a massive piece such as the Eleventh.

For Glass, some notions of these concepts arrived early. Though he began attending Baltimore’s prestigious Peabody music school at the age of eight, he’s certain that “My days of listening were connected to my father’s record store, where I began working when I was 12. My first job in the music world was advising people what records they should buy, so I had to know all the records in the store. They would come in and say, ‘Well, I want to buy Beethoven’s Third Symphony’ and I would say, ‘Do you like it fast or do you like it slow? If you like it slow, you can get Bruno Walter’s. If you like it fast, we can get you Toscanini. If you want an American version, we got Leonard Bernstein’s.’ I had to listen professionally, you might say.”

Glass’s listening also needed to be mindful of the budding audiophile market. “We were aware of which were the good sounding records and which were not, but the people who were nuts about sound they didn’t care about the content. We’d say, ‘We just got a new marching-band record, you won’t believe how the brass sounds.’ We were selling music.”

As Glass moved through his schooling and creative evolution — at the University of Chicago and at New York’s Julliard School of Music; then in Paris, studying with the famous composition teacher Nadia Boulanger and 

notating the Indian music of Ravi Shankar

; then back to New York, where in 1967 he founded the Philip Glass Ensemble for the performance of his own budding compositions — he says, “I hardly listened at all.”

Glass’ fluency reading music and imagining it off the page accelerated his understanding of compositions and its forms. “I would pretend to be following lectures and actually I was reading a Beethoven quartet,” he says of racing the pedagogues and winning “because I could read faster.” Yet he also recognized the flaws in conceptualizing composed sound without actually listening back to it. “Are we hearing it accurately? Are we writing down what we want to hear?” Glass asks. In his mind, the greatest challenge of imagined accuracy is “hearing the music in real-time. It’s very hard to do. So you end up playing it on the piano,” which, if the piece is symphonic, is not the music’s true representation either. The relationship between linear time and writing is a life-long conundrum. “I think these are challenges for composers at any point in their life. You don’t get particularly better — you may learn certain tricks, but that’s it.”

Technology has certainly changed his landscape. It is interesting to hear Glass — who recently had a Sonos system set up throughout his house — discuss digital tools as “assets” in his process. Including, in the writing of the new symphony.

“I was working with Dennis,” he recounts of the lead-up to the Carnegie Hall premiere. “We were going over some transitions, and he had the rehearsals on a digital recorder. I had it put on Dropbox, pulled up the rehearsal on my phone, so we listened to it together, and would say, ‘well maybe we can cut a couple of measures here.’ Now in my music room, I tend to listen to playback of things, the rehearsal tapes. That became very useful.”

Aging has done its share to affect how Glass’ hears — “Perceptual faculties become degraded biologically,” he says, matter of factly. “Look I’m 80, what else is going to happen?” – but also, more importantly, what he chooses to hear.

“Mostly, I listen occupationally. Of course it’s fun to listen, but I don’t listen for fun. When I listen to Anoushka Shankar’s new album, for instance, I am more listening to see if she’s got a good band, if they’re playing together, would Ravi be happy when he heard it. Or, if I hear an orchestra, I want to hear the conductor, I want to hear how they sound.” The smirk rises to the fore once more. “I have all kinds of sinister agendas for listening tucked away.”

Glass says that, beyond music, he has other reasons to love his Sonos set-up. “I find that in my bedroom, I listen to the news — the stations are listed and they don’t drift. But listening for pleasure…” His voice trails away. “My ideal place is some place where they don’t play music. I found for example, that Chinese restaurants in New York don’t have music, have you noticed that?”

Philip Glass on Listening (and Composing) at 80

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Qual è il suono che significa “Sonos”? Philip Glass ha la risposta.

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